2007年北京艺术展西班牙艾丝笛画廊参展信息
（2007年9月19-23日）

西班牙艾丝笛艺术画廊参加2007年北京艺术展，隆重推出中国艺术家张大力的摄影作品、西班牙艺术家何塞·拉蒙·阿蒙达拉因、何塞·曼努埃尔·巴列斯特尔与达里奥·乌萨伊的绘画与摄影作品以及毕加索的版画。
一、关于艾丝笛艺术画廊
成立于1972年，专长于展览当代艺术家的摄影、版画、录像以及纸上作品，并且擅长通过参与艺术节与博览会、设计组织展览、发表专业类文章、目录以及书籍等来宣传、推广与策展相关的活动。
在展览方面，画廊策划过多位西班牙当代艺术家的摄影与版画系列展，其中有Jaume Plensa，Abraham Lacalle, Pello Irazu, José María Sicilia, Luis Gordillo, José Guerrero, Gerardo Rueda, Gustavo Torner, José Manuel Ballester, Darío Urzay, José Manuel Ciria, Victoria Civera, Juan Navarro Baldeweg, Concha García, Lidia Benavides, Soledad Sevilla, Jordi Teixidor, Antón Lamazares, Broto o Juan Uslé entre otros.
在插画宣传方面，画廊组织过以下名家大师的展览：毕加索、夏卡尔、米罗、马蒂斯、德兰、索尼亚·德劳内、布拉克、库普卡、鲁奥、马克思·恩斯特、安德烈·马松、费尔南达·雷格尔。画廊均收藏有上述画家的作品。
另一方面，顺应国际造型艺术的主要潮流，画廊也将下列艺术家的版画与摄影作品加入自有收藏或列入展览内容：肖恩·斯库里（Sean Scully）, 让·马克·布斯塔曼特（Jean Marc Bustamente）, 杨·第比兹（Jan Dibbets）, 阿兰钦斯基（Alechinsky）, 培根（Bacon）, 巴泽利茨（Baselitz）, Arnulf Rainer, David Hockney, Calder, S.W. Hayter, E. Kelly, Kounellis, Sol LeWitt, 亨利·摩尔（Henry Moore）, 理查德·塞拉（Richard Serra）, 沃霍尔（Warhol）, 汤姆·维塞尔曼（Tom Wesselmann）, Günther Förg，克罗德 ·维亚拉（Claude Viallat）.
从这个意义上讲，在将近30年的艺术生涯中，艾丝笛画廊一直不间断地充实其收藏作品，基本上以西班牙艺术家的版画作品为主，其中值得一提的有：Palazuelo, Saura, Tàpies, Chillida, Millares。
艾丝笛画廊是马德里当代画廊"马德里艺术"协会的创始会员，从第一届起一直参加西班牙著名的"当代艺术"博览会，目前还参加如下摄影博览会："德国摄影展"、"巴黎摄影展"、"伦敦摄影展"、"迈阿密摄影展"等。
二、关于参加2007年北京艺术展的艺术家
1.张大力
张大力是1989年之后中国比较成功的新绘画的代表之一。在用传统方式进行抽象绘画创作的重要艺术家中，他几乎是属于第一批用汉字的视觉游戏来进行创作的，而且在艺术市场上获得非常良好的反响。张大力1963年生于中国黑龙江省，后考入著名的中央工艺美术学院进修中国传统水墨画。很快他开始尝试用不同材料创作抽象画。与中国很多青年艺术家一样，1989年他离开北京前往意大利，在多个城市前后居住了6年，期间继续他的艺术创作。1993年返回北京开始在首都的喷涂绘画计划并将其摄影留存直到2000年。
张大力喷绘创作在京城广为人知，通过喷涂绘制的人脸形象有2000多幅，大部分都是在即将拆除的楼房、废弃的墙面以及桥梁上进行的，署名为AK47。这些图案随后由作者本人拍成照片并记录在册。张大力的创作意图是，希望通过自己的作品唤起人们对中国社会巨变的注意，尤其是传统老区被摧毁引起的变化。
当被问到为何放弃令人称羡的绘画职业转而从事很多人认为是涂鸦主义的喷绘艺术时，张大力回答说："城市的老房子应该被保存下来，它们是历史与城市生活的一部分。老房子是城市之根。将大量的农民迁入高层楼房不会使城市现代化。这座城市真正的污染就是为数众多的可怕的建筑。长安街上的建筑风格各异，唯一的共同点就是丑陋。在郊区高楼的影响一样大，不但挡住了光线，还吞噬了楼与楼之间应有的绿化空间，结果是破坏了周边环境的和谐。"
1994年张大力在德国埃森Peter Dunsch画廊和意大利博洛尼亚Studio 5画廊举办个展。1999年首次在伦敦中国当代艺术画廊和北京-深圳四合苑画廊展出。2000年，AK-47在分别在北京和上海的四合苑画廊展出其最新作品。2002年再次在伦敦中国当代艺术画廊和东京基地画廊举行展览。2006年在芝加哥Walsh画廊，现在马德里艾丝笛画廊。
2. 何塞·曼努埃尔·巴列斯特尔（José Manuel Ballester）
巴列斯特尔于1960年生于马德里。就读于马德里大学美术系，1984年获学士学位。最初巴列斯特尔并无流派定位，他认真揣摩学习15、17世纪意大利与佛拉芒画派大师的技法，细心研究绘画笔触及质感。1985年在毕业论文中专门研究上述画家。从这一年起，他开始转变画风，作品主题日趋广泛，涉及肖像、裸体、头像、寓意、静物、城市与自然风光等等。同时他开始涉足摄影。巴列斯特尔并非学院派写实主义画家，但他的画技细致入微，讲究不同层次的透明质感，明显带有古典绘画的痕迹。他的创作跨越了纯粹自然主义临摹的范畴，对时间概念与创作中对现实的模仿提出了清晰与系统的思考。在1996年的《基本视点》展览中，费尔南多·卡斯特罗（Fernando Castro Flórez）在其画评中认为，"他的画脱离了浮夸修饰，重新探讨了现实主义中的临摹问题，追求真实而不是简单的视觉冲击主义，也不是纯技术的炫耀。巴列斯特尔引入虚无主义的符号，在面对造型创作虚弱无力处于十字路口的现状时注入了能量。他选择了对事件进行设想构造，不寻求依赖于绘画本身的表达或诱导，力图找到把抽象具象化的切入点。"
在最近十年中巴列斯特尔致力于摄影实践，他不但注重在镜头后面通过精确的计算，同时重视通过相纸的后期光影处理或者数码技术来实现自己对现实的操纵与转变。巴列斯特尔对上述技术与技巧的运用炉火纯青，通过它们追求精致的美感。在很大程度上，这种精确度将深度置于外表之上，使其作品的脉络清晰可见，将作品的表皮变成自我参照的镜子。在巴列斯特尔的所有作品中均能发现人工斧凿与自然天成的奇幻结合。在其静物作品中，除了他对创作对象进行深层特质揭示外，我们还能发现他强烈的解构愿望、对表现人为特性元素的娴熟运用。
从90年代起，巴列斯特尔多次举办不同凡响的摄影展，其中包括在下列艺术机构或城市举行的展览：2000年艾丝笛画廊，2003年瓦伦西亚画廊，2004年布尔戈斯艺术中心，2005年瓦伦西亚现代艺术博物馆，2007年多伦多、纽约、巴黎摄影展以及至今为止最为重要的2007年北京中央美术学院摄影展。
3、何塞·拉蒙·阿蒙达莱因(José Ramón Amondarain)
阿蒙达莱因于1964年生于圣塞巴斯蒂安，是最近十年来通过反思影像与技术相互关系对绘画创作推陈出新贡献最大的西班牙艺术家之一。他的作品永远以绘画为题：绘画的代表意义、绘画的方式与材料、由绘画转化而来的摄影、以工业方式在画布完成的绘画等。在题为《Untitle Film Stills》的系列摄影中，阿蒙达莱因对辛迪·雪曼（Cindy Sherman）的照片进行处理，他用彩色绘画的方式复制了黑白照片，又凭借数码工具将最终作品还原为照片。他以这种方式模糊混淆了技巧与程式的境界，取得即引人入胜又扑朔迷离的效果，为观众留下广阔的思考空间。埃斯特雷拉·德迭戈（Estrella de Diego）如此评价："观众关注阿蒙达莱因推荐的交流方式。如果说我们看到的每个大师的每个作品在西方传统中有着明确的定位，那么他则将这些作品推向模糊不清的境地，使原本该那样的一切变得不该那样。他要吗将我们的目光牢牢钉在墙上，要吗使我们转身而去，两者同样可能。或许我们会看到一幅画，它原来是一张陈旧照片，只留下对古老渴望的一丝回忆。原有的尺寸不再存在，它从相框中充溢蔓延开来。"
阿蒙达莱因的作品广受青睐，西班牙最有名的博物馆与收藏，如索菲娅王后艺术中心、Arthur Andersen艺术收藏、阿姆斯特丹Peter Stuyvesant基金会、马德里储蓄银行艺术收藏、可口可乐基金会或西班牙银行艺术收藏中均有他的代表作品。
4、达里奥·乌萨伊（Dario Urzay）
乌萨伊1958年生于毕尔巴鄂。关于发掘数码艺术与虚拟特性、摄影与现实以及抽象绘画新规则之间的关系，乌萨伊算是西班牙对此问题做出最深入探讨的代表人物之一。2000年他在毕尔巴鄂Rekalde展厅举行了个人展览，大卫·帕格尔（David Pagel）在其画评中说："乌萨伊比任何在这一领域探索的艺术家都走得更远，他以自己的尝试结束了一个周期，不断开发传统上以冷静与置身度外的方式处理绘画与以时下人们最热门的软件进行创作之间的兼容性。不管是从艺术角度还是从大众市场角度来看，他充满寓意的抽象完全是形式各异、相互对比的创作技术与手段综合运用的集成结果。"
艾丝笛画廊现在介绍的作品表明，在当代绘画不断延伸与新科技结合日益紧密之际，乌萨伊在探索当代绘画新可能与尝试运用造型艺术新手段、新方式以及新概念进行创作方面迈出了新的一步。在一个奇妙的世界里，他善于融合或对立使用各种形式与反形式，交替运用图案印花数码技术与分层稀释绘画。作者通过创作材料本身的化学结构及其率性而又意外的效果极力追求最强的视觉冲击，在平面上创造出了第三维并且展现了他最新的尝试目标："我对科技影像非常感兴趣，但我只是从外部加以运用而已，我本人的视野从来不是从科技角度而是从视觉创作角度出发的。我从来不试图在我的作品中复制科技影像。我在创作过程中时常会浮现出与科技、生物世界有关的形象，好比是从生物组织地图中抽取出来，因此实际上是潜意识的再现。在看过的专题片和杂志照片等基础上，我们会在大脑中不断积累各种各样的科技影像，犹如一个记忆档案。我的作品有时会展现人体内部，比如大脑的结构组织，这是最频繁的关联之一。我展示给观众的符号会引起他们探密解码的反应。我所有的作品都有一个物质，那就是，看到我创作的形象观众自然会相信看出了某些熟悉的东西。"
乌萨伊的作品进入众多知名的国际收藏，例如伦敦的德意志银行艺术收藏、毕尔巴鄂古根海姆博物馆、日本丸龟平井美术馆、马德里索菲娅王后艺术中心、巴塞罗那当代艺术博物馆、维多利亚（西班牙）当代艺术博物馆、曼哈顿银行艺术收藏、可口可乐基金会、挪威霍姆艺术收藏以及巴塞罗那LA CAIXA储蓄银行基金会等等。
5、巴勃罗·毕加索（Pablo Picasso）
毕加索1881年生于西班牙马拉加。
诚如毕加索版画研究专家Brigitte Baer所说，对于毕加索来说，版画训练有如某种评论，是日常性的地下"写作"。他一直努力在毕加索版画中寻找这位画坛巨匠在不同时期、不同个人背景以及政治社会形势下的思想与创作轨迹的复杂演变。毕加索在绘画与雕刻中向外人展现了他充满激情的历险之路，所用的版画技巧形式各异，无一不是画家充满好奇、不加偏见并且激情探索的结果。他也因此被视为20世纪的艺术天才，也是现代版画最有探索精神、风格多变的画家。
当1899年还在巴塞罗那时毕加索创作了以斗牛士为主题的第一个蚀刻版画《左撇子》。真正得以出版成册的版画集中的第一幅作品是1904年的蚀刻版画《粗茶淡饭》，它显示了毕加索深厚的版画功底，将人物心理对比与作品结合得丝丝入扣，可以说这幅初期作品已经是一个杰作。从那时起一直到1973年逝世前，毕加索总共创作了2000多幅版画，应用的技术丰富多样，有雕铜、亚麻、木刻、平版画等。毕加索是同时代版画创作最多的艺术家。对他来说，在相当长一段时间内，版画就是他艺术追求的一切，让他如痴如醉甚至不能自拔。他将版画技巧与美学主题与创作意图结合得浑然天成。他与当时一起工作的版画师保持良好、牢固的合作关系。以《左撇子》为代表的最初几年毕加索主要使用蚀刻与雕刻技术，1904年与1905年期间乞丐与洪湖艺人成为创作主题，在10年代则进入立体主义时期。这一时期他较少涉足木刻，直到60年代他也不曾重新创作亚麻版画。然而，真正确立毕加索当时最重要版画家地位的正是20年代末与30年代，其中重要作品有：巴尔扎克"未为人知的巨著"、Ovidio"变形"、以及后面组成著名的"Suite Vollard"系列的100幅版画。1935年问世的"牛头怪"可以说是20世纪最杰出的作品。二战结束后，毕加索在Mourlot工作室醉心于平版画创作，当地媒体报道涉及的就有数百幅，其中最漂亮的均献给他的情人Françoise，而且我们首次看到彩色的出现。50年代末，毕加索最终离开巴黎并将工作室设立在法国南部，开始与Arnéra合作。后者向他介绍了亚麻版画技术。在1959年到1963年期间，毕加索较多运用这一方式进行创作，同时他推陈出新自我发明了"不均匀熨烫"技术，取得独一无二的造型效果。之后，毕加索一直在不同的住所设立工作室。1963年起，在著名版画师Crommelinch兄弟的帮助下，毕加索回到传统的版画技术：蚀刻, 水墨, 素描, 软漆、镂刀或刮刀。这一时期他的水墨作品占有重要份量。他晚年最后的两个大型系列不得不提，一个是所谓的"347系列"（1968年当年的作品排序号，也就是说他以87年高龄仍然以几乎每天一幅作品的速度从事创作）与"157蚀刻系列"。157系列以色情为主角，充分体现了毕加索临近生命终点仍然张力四射的艺术青春活力。